Çanta üzerinde biraz zaman geçirelim.
Jerome Robbins, 1944’te karaya çıkan üç denizciyi konu alan tek perdelik balesi “Fancy Free”nin koreografisini yaptığında zamanlar farklıydı. New York’ta sıcak bir yaz gecesi; denizcilerin aklında tek bir şey vardır: kadınlar. Karşılaştıkları ilk kişinin omzundan parlak kırmızı bir çanta sarkıyor.
Genç ve bilgisiz, bir oyun oynuyorlar: çantayı kapmak ve sonra şüpheli bir durumu onun ulaşamayacağı bir yerde tutarak daha da kötüleştirmek. Tutar ve ıskalar, sallanır ve yalpalar, ta ki sadece çileden çıkmakla kalmayan, bir parça panik de devreye girene kadar. Üçe karşı bir. 2023’te bale için iyi bir görünüm değil.
Atletizm ve hikaye anlatımını ustaca bir araya getiren dansın ne kadar ustaca ilerlediği sahneyi daha sarsıcı hale getiriyor. Bu o kadar silinmez bir bale ki, donanma haftasında bembeyaz üniformalar şehrin kaldırımlarına taşmaya başladığında, sokağın bir sahneye dönüşeceğini hayal ediyorsunuz. Bu sezon New York City Ballet’te icra edilen “Fancy Free”, klasik bir Americana – “On the Town” müzikaline ilham kaynağı oldu – ama aynı zamanda gençlik canlılığı, bir çekişme zamanında normallik arayışı hakkında zamansız bir dans ve çoğu önemli, dostluk
Ancak bu çanta sahnesi, Americana’nın bazı vizyonlarının ne kadar eski olabileceğine ve geçmişten gelen davranışların bugüne nasıl geldiğine dair soruları gündeme getiriyor. Robbins senaryosunda şunları yazdı: “Onlara kızgın ve kızgın gibi davranıyor, ama hem o hem de onlar onun olmadığını biliyor. Aslında ilgiden çok hoşlanıyor ve incelikle onları neşeli bir kovalamaca yönlendiriyor.
Yoksa işleri hafif tutmak, işleri güvende tutmak için neşeliymiş gibi mi davranıyor? Can sıkıcı ve agresif arasındaki çizgi ince bir çizgidir. “Fancy Free” de kırmızı çanta, kostümlerin bir uzantısından (Kermit Love tarafından) daha fazlası gibi görünüyor, neredeyse sahnenin bir parçası gibi. Onsuz bale bale olur muydu? Bir dansta sorunlu bir an, koreografiyi değiştirmeden nasıl farklı bir tona bürünebilir? Bu sezon, ince bir değişim oldu – ya da en azından bir girişimniyeti değiştirmek için – gördüğüm alçılarda.
Kırmızı çantalı kadın rolünde yeni olan dansçılar – Lauren Collett ve Mary Thomas MacKinnon – ona biraz farklı bir yerden yaklaşıyor gibiydi; Tepkilerini, “Eh, erkekler erkek olacak” gibi omuz silkme duygusuyla gölgelemediler. Kızdan çok kadınsı, posterden çok daha uygardılar. Collett, neredeyse hassas bir ihtiyatla, bunun üzerine çıkmaya kararlı görünüyordu.
Birinin aşağılanma sırasında cesurca gülümsemesini izlemek hala zor. Hepimiz oradaydık. Ama sonunda denizciler arasındaki dans yarışması kavgaya dönüştüğünde kadınlar her zamanki gibi olay yerinden kaçarlar. Ayrılışları biraz farklı hissettirdi: Kontrol onlardaydı. Gidebilirlerdi ve gittiler.
Denizcilere gelince? Roman Mejia’nın yürek durduran virtüözlüğünden Jovani Furlan’ın ağır şehvetli şehvetine kadar komik, masum ve uçlarda kabaydılar. Ancak baleyi dolduran, denizcilerden biriyle hüzünlü, nazik bir pas de deux yapan ikinci kadını canlandıran canlı kadınlardı: Indiana Woodward, her zamanki gibi ışıltılı, tek oyuncu kadrosunda; ve bir başkasında, Alexei Ratmansky’nin dansının daha içsel, ham tarafını gösteren “Voices” adlı ilk filmi de dahil olmak üzere, son zamanlarda öne çıkan rollerde parıldayan bir bale birliği üyesi olan Alexa Maxwell.
Peter Ablinger’in bestelediği ve kadınların sözlü metinlerini içeren “Voices”, beş kadın solistin altını çiziyor; son bölüme kadar erkekler sadece geçiş anlarında karşımıza çıkıyor. Geçen hafta 21. yüzyıl koreografi programında gerçekleştirilen çalışma mükemmelliğini korudu ve bu sezonun şimdiye kadar bir kadın kutlaması gibi hissettirdiği hissini pekiştirdi. Başka bir Robbins balesinde, nadiren görülen “Rondo”da, iki şık ve dingin kadın sahneyi paylaşmaktan fazlasını yaptı; üzerine sessiz bir büyü yaptılar.
1980 prömiyerinden bu yana ilk kez repertuvara dönen “Rondo”nun koçluğunu eski müdür Kyra Nichols üstlendi. Umarım, Mozart’ın A Minor’daki Rondo’suna ayarlanan bale burada kalır ve umarım Nichols tekrar geri döner. “Rondo”nun başarısının, onu taze ve etkilenmemiş hale getirmek için dansçılarına bağlı olduğu ve sadeliği ve abartısız duygusu onu son zamanlardaki birçok balenin üzerine çıkardığı açıktır. Sürmedi ama gerçekten bu kadar hafif mi? Dansçıların dostlukları ve bağları -aralarında korudukları o katı mesafe- en az adımlar kadar önemlidir. Bazen, neredeyse çiftler halinde kaymaya balistik bir tepki gibi.
İlk kadroda, iki uzun boylu solist, Isabella LaFrenière ve Mira Nadon, esere havalı, heybetli bir hayal gücü aşıladılar; Daha küçük bir çift olan Woodward ve Olivia MacKinnon (o ve Mary Thomas kardeşler), geniş kapsamlı doğaçlama hissine yaklaşan bir bağlantı kurdular. Birkaç tane var, eğer herhangi, canlılığı MacKinnon’ı aydınlatan Woodward kadar cömert dansçılar – neredeyse Woodward onu teşvik ediyor gibiydi; MacKinnon, şimdiye kadar gösterdiğinden daha fazla anlık yoğunlukla yanıt verdi.
Ratmansky’nin ileri görüşlü “Voices”u dışında, kış sezonunun gücü – Çarşamba günü başlayan iki haftalık “Uyuyan Güzel” ile sona eriyor – eski mücevherlerinin tozunu almış durumda. Webern’e göre “Bölümler”, özellikle iki oyuncu kadrosuna yayılmış çarpıcı dansıyla mükemmeldi: Son bölümde Russell Janzen’in yer aldığı Miriam Miller, soğukkanlı bir şekilde soğukkanlıydı – ayakları daha güçlü görünüyordu, söğüt gibi formunu daha iyi köklendirebiliyordu.
Ve “Beş Parça” bölümünde Ashley Hod, ürkütücü ve elfin ve Gilbert Bolden III, akrobatik partnerliğe açısal derinlik kazandırdı. Hod’un “Firebird” ilk çıkışı, hıçkırıklarına rağmen, onun sadece zarif atlayışını değil, aynı zamanda Şehir Balesi’nin bazı daha gizemli tekliflerine olan yakınlığını da sergiledi. “Ateş Kuşu” başka bir nedenle de özeldi: Titiz bir dansçı ve harika bir partner olan müdür Jared Angle veda performansını bu balede gerçekleştirdi.
Bu sezon, orijinal olarak Martha Graham’ın bir bölümünü, Aaron Copland’ın Justin Peck’in “Copland Dance Episodes”ındaki müziğini içeren “Episodes”un yakınsaması ve eski bir Balanchine cevheri olan “Haieff Divertimento”nun dönüşü hakkında bir şeyler bir fikre bağlandı. bir orta yüzyıl Amerikası. Aniden, “Haieff”te sahne bir sahneden daha fazlası oldu; geniş bir düzlüktü. Gelecek için bir söz gibiydi. Bir bakıma Peck de “Copland Dance Episodes”ta yeni bir gelecek için çabalıyor gibi görünüyor. Ancak onun bu geleceğe dair versiyonu, enerjik olsa da, belirsiz bir mutluluk havasıyla birleşen topluluğa indirgenir; duygudan ve bununla birlikte ilerleme hızından yoksundur.
“Haieff”in koreografisi 1947’de Alexei Haieff’in 1944’teki partisyonuna göre yapıldı, bu müzik zaman zaman hüzünlü bir havaya büründü; Graham’ın Copland için başyapıtı, sınıra bakan genç bir çift hakkında “Appalachian Spring”, 1944’te yaratıldı – tıpkı “Fancy Free” gibi. Gençlik vaadi havadaydı. Hepsi aynı çorbada mı yüzüyordu? “Haieff” klasik adımlarla doludur, ancak çağdaş dokunuşları -başroldeki çiftin arabesk giyinmiş kadınla kollarını birbirlerinin omuzlarında bir tür köprü oluşturacak şekilde uzatmasında olduğu gibi- dikkat çekici, meraklı, kibar ve zariftir. Ayrıca Graham’ın “Appalachian Spring” esintisi de var; göründüğü şekilde değil, hissettirdiği şekilde.
Bu dans gibi, “Haieff” de görünüşte açık havada, bir şeyin uçurumunda yaşıyor. Özensiz veya rüya gibi değil, yine de yeni ufukların dile getirilmeyen bir kalitesi var. Ana çift olan “Haieff”te – ayrıca dört çift daha var ve her dansçı parlama şansı buluyor – yavaş, sabırlı partnerlik ve titiz dengeler aracılığıyla birbirlerini keşfedin. Woodward’ın bir oyuncu kadrosunda Harrison Ball ve diğerinde Christina Clark ve Peter Walker’ın somutlaştırdığı şekliyle, ortak bir hayatın başlangıcını izlemek gibi.
Clark nereden geldi? Canlandırıcı kontrolü ve sabrı – hiçbir şeyi aceleye getirmedi, bir bakış bile atmadı – büyüleyiciydi. Son en iyisidir: Çift birbirine selam verir ve ardından kadın bir anda kanatlara atlayana kadar pointe üzerinde gösterişli yürüyüşlerle arkasını döner. Bu şekilde, “Haieff” insan ruhunun hokey bir vasiyeti değil – Balanchine’in ve onu yaratmaya iten şeyin, ulaşılamaz kadının bir vasiyetidir. Burada da gitmekte özgür ve havalanıyor.
